The Container

記憶の感覚的な性質は視覚と感情の迷路を通って伝わる様に、長年に渡り沢山のアーティストは記憶を作品の重要な部分として扱ってきました。多くは特別な瞬間の保存、記録、そして出来事の残る証拠としての遺物として作る事を目的とし、それ以外では社会集団の記録の再成形へと、意識的に歴史の概念に挑戦しています。

勿論、記憶と歴史を語る時は、アート制作そのものと同様に記録はとても主観的ですが、アーティストは重要性のあり挑戦的な作品を制作する社会的な重荷を担っており、歴史への理解に新しい視点を追加して、私達が社会的に歴史上の事実として受け取っている物の再調査を押し進めます。

東京在住のイギリス人アーティストであるサム・ストッカーは、制作する作品全てにおいて個人的な旅路を観者と共に共有します。ストッカーの荒削りな、ミクスト・ミディア、実物大のストラクチャー（構造）は、数ヶ月の調査、訪問、そして彼のパフォーマンス風で彫刻風な作品に使用される詳細ノート、スケッチと写真を通じて、空間を異なる視点から解釈しています。結果としての作品は浸透的で巨大であり、それは大きさとしてではなく（しかしストッカーの作品は頻繁に大型ですが）、感情的で知的な方面においての努力が全ての作品へと投資されています。

歴史的で地理的な発見が、非常に個人に連帯する出来事、記憶、そして思考にて飾り付けられるストッカーの作品では、特定場所への応答が中心的な要素となっています。ストッカーが意識的に取り組み、成形し、概念付ける発見の行程をゆっくりと通じて現れ、そして成長し、それぞれの存在を繋ぎ合わせて新たなアートを創り出します。ストッカーのストラクチャーを初めて目にすると乱雑に映りますが、それらは細部へのこだわりと審美的な精度を表現しています。外形と構造は納得のいくように熟考されており、鑑賞者はインスタレーションを身体的と精神的な両方の経験をする事が出来ます。

ストッカーのこれまでのインスタレーションは頻繁に、とても抽象的な為に歴史的又は個人的な根源を辿る事が難しく、しかしそれがアーティスト自身を悩ませる事や作品の読み取りに影響を及ぼす事はありません。その代わりに、ストッカーは特別な目的へと作られた環境に完全に適合する念密な作品を制作しており、個人的な経験へと鑑賞者を招きます。ストッカーの作品は何が空間を構成するかを再思考し、全体的な経験／形状として作品を消費する事を観者に説得します。この作品の本質は、曖昧な性質とは裏腹に特別に手の届く投入環境を創り出します。

ストッカーの作品は彫刻的表現にもかかわらず、美しく感性と詩的表現に触れており、私自身キューレーターとして彼の過程に引き込まれました。ノートやとても個人的な逸話や記憶を読んでいると、プロジェクトそれぞれへの熱心さが想像を掻き立てます。精神的な地図、日付け、日記、詩、ランダムな結合、そして意識の流れからの抜粋は全て積み重ねられ、視覚表現を構成します。更にスケッチ、詩の一片、付箋紙に速書きしたノートらは、ノイズに影響されたサウンド・ミキシングと彫刻風の作品を文脈化させる（又はさせない）話し言葉のライブ・パフォーマンスへと統合されます。

殆どのストッカーの工程は、「作品の発見」への努力の中での材料収集、結合制作、そして頭脳ゲームです。その後に制作が開始され、パズルを組み合わせるように全ての部品が集結されます。最終作品は徹底的に計画されているが、アーティストの本能的な投入によってそれらは暫定的でありながらも命を吹き込まれます。ストッカーは自身の作品の正当化や目的を求めてはいません。これは芸術至上主義であり、非常に主観的で「無意味」ですが、しかしストッカーが位置付ける彼のアーティストとしての役割において基本的な純粋主義なのです。アート制作を通してストッカーの見解による真実を表す尽力の中で、彼自身の世界の一片を創り上げ、自分のアートに住み、自分を取り囲む事を捜索しています。

The Container(コンテナ)でのサム・ストッカーのインスタレーションSurrogate Structures（代理構造）は、過去の作品のようにアーティストの地域への調査と訪問から着想されています。本展覧会への当アーティストの作品に影響を与えたそのような場所の一つは、当ギャラリーの真後ろに存在する富士塚です。富士塚とは富士山を表す複製の小山であり、東京各地で見られます。これら代理塚は江戸時代に活発となり、富士山に登山する事が出来ない巡礼者へと頂上10合目を経験させました。当概念の皮肉、しかし同時に富士塚の胎内、器、容器のように需要を慰める養育性にアーティストは惹きつけられました。

ストッカーは更に当空間の建築的な性質と、そして勿論のごとく当ギャラリーの建造された輸送コンテナ内という実情から影響を受けました。最終作品の主な美観は、輸送コンテナ、運搬過程での箱、何処かへ到着するまでの待機、記憶と経験の単位からの脱出に対するストッカーの興味に依存しています。

箱と貯蔵庫という視覚的で概念的な両方のアイディアは本インスタレーションの重要な部分になっています。ストッカーの印象を保管し目録を作成しながら、尊大である。人間関係と同じように、折りたたみ展開し、話や経験を包んでいます。当ストラクチャーは主に木材、セメントと塗料を使用しており、コンテナの正面と横側からの出入りを制限し、当作品との対話へと狭い開きを通り抜ける事を強制します。

これは何が現実で何が想像又は認識かの間でのテンションであり、ストッカーのインスタレーションをとても面白い経験にさせます。非常に引き付ける特別な文脈での「文脈を拠点する事」とのストッカーの根強さでもあります。歴史、個人的な思考、ランダムな関連、記憶、そして推移は全て、リミナリティーの視覚的な表現を制作へと結びつけています。

The Containerでのサム・ストッカーのインスタレーションSurrogate Structuresと、そして付随する本出版は、当アーティストのアート制作過程と「作品の発見」への旅の洞察を提供しています。当出版物は本展覧会への多数のストッカーのノート、写真、ドローイングと逸話等の調査材料を含めており、どの様に作品が展開したかを読者と共有する事を可能とさせています。更に当出版物は、本作品の発端と個人的な物語を共有するストッカーの同僚で親友、そしてアート著作家でアーティストであるジェームス・ジャックによる作品をここに感謝して掲載しています。

The sensory disposition of memory takes us through a maze of visuals and emotions, and as such, many artists over the years used memory as an essential part of their works. Some seek to preserve a certain moment, to document and produce an artifact that can be used as remaining evidence for an event, while others, consciously challenge conceptions of history in order to reshape our social collective memory.

Of course, when it comes both to memory and history, documentation can be very subjective, just like the creation of art itself, and artists bear the social burden of fabricating works that are meaningful and challenging — adding new perceptions to our understanding of history, and forcing us to reinvestigate what we socially perceive as historical facts.

Sam Stocker, a British artist residing in Tokyo, shares his personal journey with the viewers with every piece of work he creates. His unrefined, mixed-media, life-size structures reinterpret spaces through months of research, location visits, and detailed notes, sketches and photographs that he uses to express pieces in performative and sculptural forms. The resulting pieces are immersive and immense, not necessarily in size (although he often works big), but in the emotional and intellectual efforts that are invested in each such creation.

Responding to a specific site is a pivotal element in Stocker’s works where historical and geographical findings are dressed in highly personal associative events, memories, and thoughts. Slowly, through a journey of discovery that Stocker consciously undertakes, shapes and concepts emerge and grow, taking on a life of their own to piece together a new piece of art. Although at first look many of his structures seem untidy, they present keen attention to detail and high aesthetic accuracy. The shapes and structures are convincingly premeditated, and enable the viewers to experience the installations both physically and psychologically.

Often, Stocker’s complete installations are too abstract to trace their historical or personal roots, but that does not worry the artist too much, nor does it affect the interpretation of the pieces. Instead, Stocker creates meticulous works of art that fit perfectly into the environments they were produced for—purpose-made—and provide the viewers with a personal experience that they are invited into. His works persuade the spectator to reexamine what constitutes a space and to consume the work as a wholistic experience / form. This quality of his pieces creates immersive environments that are distinctively accessible to viewers, despite their equivocal disposition.

Although the sculptural representations of Stocker’s works are beautiful and touching in their sensitivity and poetic nature, as a curator I was drawn to his process. His dedication to each of his projects is inspiring, as much as reading his notes and his highly personal anecdotes and memories. Mind maps, dates, diaries, poetry, random associations, and excerpts of stream of consciousness all accumulate to construct a visual representation. Sketches, bits of poetry, and briskly written post-it notes are also integrated into live performances of noise-inspired sound mixing and spoken word that contextualize (or not) the sculptural pieces.

Much of Stocker’s process is collecting materials and making connections, some sort of a cerebral game, in efforts to “find the work”. Thereafter, production starts, fitting in all of the components together, like a puzzle. Although the final pieces are exhaustively planned, they are still also tentative and come to life with the instinctive input of the artist. Stocker does not seek to justify his works or give them a purpose. It is art for art’s sake—terribly subjective and “pointless”, but it is this purism that is fundamental in the way Stocker defines his role as an artist. He seeks to create bits of his own world, live his own art, surrounds himself with it, in an endeavor to present his version of truth through his art making.

Sam Stocker’s installation at The Container, Surrogate Structures, such as in his previous works, is inspired by research and visits the artist conducted to the area. One such location that influenced the artist’s work for the exhibition is the existence of a Fujizuka (富士塚) just behind the location of the gallery. Fujizuka are small mounds, replicas representing Mount Fuji, found in and around Tokyo. These surrogates became popular during the Edo period to enable pilgrims who could not climb Mount Fuji to experience the ten stations of the mountain right to the summit. The irony of the concept intrigues the artist, but also the nurturing nature of Fujizuka, comforting the needy like a womb, a vessel, a box.

Stocker is also strongly influenced by the architectural qualities of the space itself and, of course, by the fact that the gallery is in actuality a constructed shipping container. Much of the aesthetics of the final piece relies on Stocker’s fascination with shipping containers, boxes in transit, waiting to be somewhere else, encasing units of memories and experiences.

Both visually and conceptually the idea of boxes, units of storage, became a significant part of the installation. Stuck up, storing and cataloging Stocker’s impressions. Fold and unfold, enveloping stories and experiences, just like relationships. The structure is constructed mainly using wood, cement and paint, and allows limited access from the front and the side of the container—forcing to negotiate through narrow openings in order to interact with the piece.

It is the tension between what is real and what is imagined or perceived that make Stocker’s installation so interesting to experience. It is his persistence with “working-out-of-context” of a particular context that is truly engaging. History, personal thoughts, random associations, memory, and transit, are all bound together to create a visual representation of liminality.

Sam Stocker’s installation, Surrogate Structures, at The Container, as well as this accompanying publication, give insight into the artist’s art-making process and the journey he takes to “find the work”. The publication includes some of Stocker’s research materials for the exhibition: notes, photographs, drawings, and anecdotes, enabling to share with the reader how the piece evolved. The publication also gratefully includes a piece by the art writer and artist James Jack, a colleague and a close friend of Stocker, who shares through personal accounts the inception of the piece.