Change Room

 

Robert Waters

8 September – 16 November 2014

 

Opening night reception: 8 September, 19:30 – 21:30

Exhibition catalogue

 

1_Jungle Gym (Orange Alert)

Jungle Gym (Orange Alert), Robert Waters, 2014. Silkscreen on paper, 33 x 45 cm.

 

スペイン在住のカナダ人アーティスト、ロバート・ワータースの作品には変貌と進化というコンセプトが繰り返し現れます。活動初期のアメリカのモダニズムに影響されたコラージュと立体作品、数年間のメキシコ滞在期に宗教の影響を受けて制作した作品、そして昨今の作品に至るまで、ワータースの作品の持つ数多くのアイデア、イメージ、そして、そこから生まれる連想が織り成す重層性は、それを体験する主体に様々な主題や知覚についての再考を要請します。併置された多種多様なビジュアルとコンセプトは、連想的な知の働きに多くを負いながら、知識の再構築を促します。

この十年間のワータースの主要なテーマのひとつとして、人間の身体、より正確には、人体の限界が挙げられます。ワータースの作品は、欲求、暴力、男性らしさの脆弱性、そしてジェンダーなどの私達が抑圧しようとする心身の直観的衝動を喚起します。そして、それらのすべてを通じて、身体は情緒的・社会的・知識的な特性を伴い進化する「機械」として再検証されるのです。肉体的な進化と大脳的な進化の間に生じたこの緊張関係からは、哲学的・社会的に構築されたものに関する言説が形作られていきます。それは例えば、人々のスポーツへの関心を定めているのはジェンダーか、あるいは社会的条件か、といった問いです。

身体活動はワータースのThe Containerでのインスタレーション「チェンジ・ルーム」の主要なテーマにもなっています。心身の発達に関する歴史的参照としてギリシアのジムナジウムを用いることで、ワータースは肉体的/生理学的な身体の限界と心理的・知識的な身体の特性の間にある隔たりを考察します。とりわけワーターが照準を合わせているものは、男性の身体と男性らしさ、すなわち、その審美性、機能、社会的立場です。

その一例である《Resistance (water weights) [抵抗(水の重し)]》(2014)は、骨色の樹脂で鋳造された支柱にアーティストの汗を凍らせた重しを付けたダンベルです。この立体作品は展示空間で溶けながらやがて蒸発し、自然と生命の反復的サイクルと存在の短命性に対するワータースの関心をとりわけ際立たせています。

この立体作品に用いられた汗は、ワータースの《Purification Ritual[純化の儀式]》(2014)という作品を通じて生み出されたものです。この作品は、身体活動に焦点を合わせて私的に行われたコンセプチュアルな実験《Sweat Sweating (Solidification) - Autopoiesis Study III [汗 発汗 (凝固) - オートポイエーシス III]》に直接的に関わっています。「科学的実験」と記されたさらなる実験《Sweat Sweating (Condensation) – Autopoiesis Study II [汗 発汗 (凝結) - オートポイエーシス III] 》と《Sweat Sweating (Evaporation) – Autopoiesis Study III [汗 発汗 (蒸発) - オートポイエーシス III]》には、辿りつくべき科学的結論も確かめるべき発見もありません。これらの実験は持続性について考察するコンセプチュアルな介入行為であり、科学的で客観的な外見を纏っているにもかかわらず、肉体的・精神的な瞑想のようなものとしてなされた私的な儀式という主観的で個人的なものに留まります。にもかかわらず、この実験は身体と精神が互いに巡り合う「生命のサイクル」を強固にする性質を結果的には有しているのです。

身体に対するワータースの測量的視点は彼の一連の習作《AMG Shower Tile Study [AMGシャワー タイル 習作] 》(2014)や《AMG Shower Grid [AMGシャワー グリッド 習作]》(2014)にも展開していきます。両方の作品ともモデルの身体を閉じ込め限界付けるグリッドパターンの厳格性を用いることで、(きわめてギリシア的な)理想のプロポーションを綿密に計測し提示するものになっています。この習作に関してとりわけ興味深いことは、用いられるイメージとその歴史的文脈が論議を避けられない性質を持っており、それによってイメージが政治性を帯びているという点です。

男性モデルたちのイメージはアメリカ人のボブ・マイツァーを代表とするAthletic Models Guild(AMG)のライブラリから借用されています。このAMGという組織が20世紀半ばに抗っていたのは、女性モデルの露出した写真の頒布を幅広く許可していたにも関わらず、男性モデルの露出した写真の頒布は禁止するという法律でした。この作品に用いられたイメージはLGBT権利運動と西洋での同性愛に対する近年の社会的認識の変化に言及しており、コンセプチュアルで美学的なものに留まらない新たな一面を作品に与えています。

ギシリアのジムナジウムを総合的に参照した《Past Prediction [過去の予言]  》(2014)では、ワータースは再びAMGから借用したシャワーのイメージを用い、それらをギリシア・ローマのアスリートの彫刻的描写に重ね合わせることでエロスと古典文化の境界線を曖昧にし、鑑賞者たちに自らの連想力を駆使することを迫ります。《In Plane of Immanence  [内在平面にて] 》(2014)ではイメージは消滅し、タイルのグリッドだけが残されることで、脱文脈化されたタイルの配列が純粋な形体の構成的機能へと変化させられています。しかしこれらの作品は、同じシリーズの他の作品と共に観られることで、ある種の型紙、計測のテンプレート、そして、採寸を要請するテクノロジーとして立ち現れるのです。

《「Jungle Gym (Red Alert, Orange Alert, and Yellow Alert) [ジャングルジム(赤、オレンジ、黄色の警告)] 》(2014)と題された三点のシルクスクリーン作品には、メキシコ・シティの公園の鉄のジャングルジムで体を鍛える男性たちをアーティスト自身が撮影した写真が用いられています。驚くほど繊細で丁寧に仕上げられたこれらの作品は、ワーター自身が「暴力の可能性」と呼ぶ危機感や緊急性を鑑賞者に突きつけます。AMGのタイルのグリッドと同様に、ワーターはジャングルジムを構成する線を身体を規定し評価するシステムとして用い、男性の身体を計量と査定の対象へと変えます。この計測と構造に対する強迫観念は、ソル・ルウィット(1928-2007) の60年代のコンセプチュアルな構造物を想起させつつ、身体的なものと知識的なものの隔たり(人の手による複雑な構造物と対峙させられた、鉄棒にぶらさがる男達の、おそらく猿にも似た、原始的な身体活動)を更に二極化させます。

もうひとつの立体作品《Natural Selection [自然淘汰] 》(2014)は、一房のバナナの上にかけられたポリエステルのハンカチに「類猿人ターザン」の役に扮したレックス・バクスターの宣伝用イメージを用いたものです。ワータースはこの作品で人と猿の進化上の類似性に再び言及していますが、その一方で、私たち人類の文化と知識という大脳の進化がいかに身体の進化を超えてきたかについても言及しています。

ワータースのいくつかの展示作品に見られる短命性(腐敗するバナナや溶ける氷)は彼の作品に繰り返し現れるテーマであり、私たちの身体が死を宿命付けられているものであることを仄めかしています。《Man at Computer [コンピュータに向かう男] 》(2004 -) や《「Clean Up Your Act! [己の行為を浄化せよ!]  》(2005-2010)という過去の作品と同様に、これらの作品は短命性というテーマを探るだけではなく、素材となるものを巧みに再解釈し、それらの素材に対して人々が抱く共通の連想に作品の意味を依拠させています。ワーターは素材が持つ意図に狡猾に逆らい、新しい意味と含意を生み出す重層的な連想をそこに纏わせるのです。

ワータースの作品には美学的なものとコンセプチュアルなものが共存しています。理論と技巧の間を活発に行き来しながら、ワーターは極めて美的で細やかな神経の行き届いたコンポジションを創り出します。プリント、インスタレーション、彫刻といった彼の多様な作品は、形体と構造に対する繊細な配慮によって常に鑑賞者の視覚に訴えかけます。こうしたワータースの作品の高い完成度こそが、鑑賞者の想像力を捉え、そこに潜む豊かなコンセプトの絡み合いへと誘い入れることを可能にしているのです。

The Containerで行われた多くの展示と同様に、「チェンジ・ルーム」はサイト・スペシフィックな展示となります。展示空間のコンテナはジムの更衣室(チェンジング・ルーム)へと造り替えられますが、展示の持つウィットはその言葉遊びだけに収まるものではありません。個人的、社会的、進化的な変化を巡るこの展示は、私たち自身が身体的・知識的にいかに変化を遂げてきたかを示すものになるでしょう。

Transformation and evolution are repeated conceptual notions in the works of Canadian artist Robert Waters, who currently lives in Spain. From his early collages and sculptural constructions of mid 90s, influenced by American Modernism, to religion inspired pieces from his Mexico City residence years, and to his current works – a layering of ideas, images, and associations, force a subjective reconsideration of themes and perception; a juxtaposition of visuals and concepts beget an intellectual reconstruction that relies heavily on associative erudition.

In the last decade, one of the central themes in Waters’ work has been the human body, or more specifically, its limitations. His work often recalls physical and psychological instinctive impulses we attempt to suppress, such as lust, violence, the vulnerability of masculinity, and gender, all whilst examining the body as “a machine,” an instrument that evolves side-by-side its emotional, social, and intellectual properties. This relation between the evolutions of the physical and the cerebral generates tension and forms a discourse on philosophical and social constructs. Does gender, for example, define one’s interest in sports, or does social conditioning?

Physical activity is indeed a principal theme in Change Room, Waters’ installation at The Container. Using the Greek gymnasium as a historic reference for physical and mental advancement, Waters investigates the disconnection between the physical / biological limitations of the body and the psychological and intellectual properties of humans, in particular the male body and ideas of masculinity – its aesthetics, its function, and its social standing.

In Resistance (water weights) (2014), for example, the artist’s sweat is cast and frozen into moulds of dumbbells and fixed with a bar cast in bone-colour resin. The sculpture will be placed in the exhibition space to melt and eventually evaporate, highlighting Waters’ interest in the repetitive cycle of nature and life and the ephemerality of existence.

The sweat Waters produces for the sculptural representation is generated through his Purification Ritual (2014), which directly relates to Sweat Sweating (Solidification) – Autopoiesis Study I, a conceptual experiment that looks at physical activity and is performed in private. The additional experiments, Sweat Sweating (Condensation) – Autopoiesis Study II and Sweat Sweating (Evaporation) – Autopoiesis Study III, while designed as “scientific experiments,” have no scientific conclusions to reach or discoveries to ascertain. The experiments are conceptual interventions that explore duration, and despite the scientific and objective disguise they take, remain subjective and personal: one’s private ritual, a physical and mental meditation of sorts. However, the sequential nature of the experiments does reinforce the “cycle of life,” where body and soul recycle into each other.

Waters’ personal assessments of the human body extend also to his series of studies AMG Shower Tile Study (2014) and AMG Shower Grid (2014), both making use of strict grid patterns to confine the models’ bodies and limit them, meticulously measuring and offering ideal proportions (very much like the Greeks.) The choice of images Waters selected for his studies is in particular interesting for the controversial disposition of the images and their historical context, politicizing the depictions even further.

The male models’ images borrowed from the Athletic Models Guild, a foundation headed by American Bob Mizer in mid 20th century to challenge laws that allowed the distribution of the female body in various stages of undress, but prohibited the use of male models. The choice of images makes a reference to LGBT rights and recent changes in social perception of homosexuality in the west, adding a new dimension to the works, beyond their conceptual and aesthetic properties.

Going full circle with the Greek gymnasium references, in Past Prediction (2014) Waters makes use again of the shower images taken from the AMG, to superimpose them with Greek and Roman sculptural depictions of athletes, blurring the distinction between the erotic and the classical and challenging the viewers with personal associative cognition. In Plane of Immanence (2014), the images disappear and the grid of the tiles remains, decontextualizing the pattern and turning it to mere shapes and forms, an exercise in composition. Nonetheless, when viewing these pieces along with the other works from the series, they appear as stencils, templates for measurement, a technology to impose dimensions.

Also in this exhibition are three silkscreen prints entitled Jungle Gym (Red Alert, Orange Alert, and Yellow Alert) (2014), based on photographs taken by the artist of men exercising in outdoors settings on jungle gym metal constructions in Mexico City. The prints are surprising in their delicate and sensitive execution and extort a sense of immediacy and danger, or in Waters’ words “the possibility of violence.” Like with his AMG tile grids, Waters quantifies and assesses the male body through a system of lines to limit and evaluate the extent of the body. This obsession with measurement and structure also recalls the 60s conceptual constructions of Sol Lewitt (1928-2007) and helps to polarize further the distinction between the physical and intellectual (complex manmade structures vis-à-vis basic physical activity, men dangling and swinging on bars, akin perhaps to monkeys.)

An additional sculptural piece in the exhibition is a polyester handkerchief resting on a bunch of bananas, Natural Selection (2014), making use of promotional imagery of Lex Barker in his role in Tarazan of the Apes, referring again to the physical similarities between apes and humans, but also emphasizing how far we have gotten culturally and intellectually, leaving our physical evolution well behind our cerebral evolution.

The ephemeral nature of the pieces in some of Waters’ pieces in the show (such as the decay of the bananas, or the melting of the ice) is a repeated theme in his works and hints of the mortality of our bodies. These works, similarly to other previous series such as his Man at Computer (2004 -) and Clean Up Your Act! (2005-2010), not only explore ephemerality, but cleverly reinterpret materials and rely on common associations one has with them. Waters’ efforts cunningly defy the intention of such materials and dress them with layer upon layer of associative impressions that invent new meanings and new connotations.

Waters’ works also syndicate the aesthetic with the conceptual. He delightfully flips between theory and craftsmanship to create compositions of high aesthetic value and sensitive attention to detail. His collages, such as his prints, installations, or sculptures, always challenge the viewers visually, with delicate attentiveness to form and structure. It is this high polish of his works that captures the imagination of viewers and draws them closer to investigate the rich conceptual connections.

Change Room at The Container, like many other shows at the space is a site-specific installation, transforming the container into a gym’s changing room, but the wit of the exhibition extends well beyond a word play. This exhibition is about change – personal, social, and evolutional; it is about how we change as humans, physically and intellectually.